Food photography: errori comuni da evitare

Diciamocelo, la fotografia non è facile né tanto deduttiva.
Inoltre, sembra che le prime 10000 fotografie siano le peggiori. Lo diceva H. Cartier-Bresson e si riferiva ad una macchina analogica. Noi siamo fortunati, possiamo scattare anche 100 volte per ottenere una sola foto decente. Forse in qualche modo è peggiorato il nostro modo di imparare e sperimentare, sappiamo che c'è sempre una seconda possibilità , sappiamo che i nostri errori potranno essere tamponati. Nella fotografia come nella vita.
Se partissimo pero' dal pensiero che la foto deve uscire dalla macchina già ben fatta, o per lo meno, senza errori, le nostre probabilità di imparare, di crescere e di scattare una bella foto aumenterebbero.
Il primo spassionato consiglio è la lettura del manuale in dotazione con la fotocamera. Proprio alle prime pagine è indicato con un disegno come impugnare la reflex.
Sia che siate destrorsi o mancini, non ci sono varianti ma solo un modo: la mano destra preme il bottone di scatto, la sinistra sorregge la camera dal di sotto mentre ruota le ghiere dell'obiettivo.
La fotocamera non è un I-Phone.

Gli errori che proprio non si devono fare nel nostro lavoro sono:

• Foto mosse
• Messa a fuoco scorretta
• Sovra/sotto-esposte
• Taglio scorretto
• Linea di orizzonte storta
• Bilanciamento scorretto
• Uso dei pannelli/riflettori scorretta

FOTO MOSSE

A differenza della fotografia generica, street, ritratti e paesaggi, la food photography ci da la possibilità di scattare a soggetti non viventi e posizionati in un set deciso e preparato in anticipo, senza avere "l'ansia" della prontezza di scatto.

Questo ci permette di servirci in tutta tranquillità di un assistente che si chiama treppiede.

Il treppiede, oltre a semplificarci la vita, evita il mosso e micromosso, il primo degli errori mostruosi da abolire.
Insieme al treppiede,  l'autoscatto o il telecomando sono un ottimo aiuto perché attenuano le vibrazioni date dalla pressione del dito sul bottone di scatto e minimizzano i rischi di micromosso.
Sotto, se fate attenzione al picciolo del pomodoro, nella prima foto sia ha un dettaglio poco rifinito, mentre nella seconda si ritrovano i dettagli (anche se purtroppo non al 100% a causa della risoluzione della piattaforma). Anche se a primo colpo d'occhio non è lampante, in realtà un micromosso puo' davvero influire sulla nitidezza generale dell'immagine.

MESSA A FUOCO SCORRETTA

Quando prepariamo un set, guardiamolo a occhio nudo da diverse angolazioni e creiamoci delle inquadrature ideali. Una volta decisa la composizione, concentriamoci sul nostro sguardo e osserviamo dove il nostro occhio, in modo naturale, va a cadere. Quale parte colpirà la nostra attenzione, o su quale parte vogliamo che l'occhio dell'osservatore sia colpito?

E' proprio là che dobbiamo fare il nostro fuoco. Il fuoco ci deve essere forte e chiaro.
Uno dei problemi riscontrati tra le foto dei corsisti è lo spostare il fuoco naturale (quindi dove naturalmente andrebbe a cadere il nostro occhio), su un fuoco pilotato (quindi condurre in modo forzato l'occhio dell'osservatore in un punto magari più nascosto o nella parte posteriore del soggetto, tramite l'uso della messa a fuoco manuale).
Se pero' il diaframma è chiuso, la percezione dello sfocato è meno intensa rispetto ad un diaframma molto più aperto.
Nella foto sotto, ho chiuso il diaframma a f 5,6 e ho messo il fuoco sul pomodoro dietro a sinistra. La differenza è talmente lieve che il nostro occhio andrà di natura sul pomodoro centrale. lo vedrà fuori fuoco e quindi tutta la foto ne subirà le conseguenze nonostante le nostre buone intenzioni.
La soluzione è quindi quella di aprire il diaframma per creare una profondità ristretta e costringere l'occhio a osservare in primis il punto più a fuoco.

Di seguito si forma un'altra brutta abitudine: l'uso generosissimo di diaframmi molto aperti per ottenere molta sfocatura e molta luce. Se apriamo un diaframma a f 1,4 o f 1,8 pero', rischiamo di avere una profondità di campo talmente ristretta da far percepire all'occhio dell'osservatore una foto fuori fuoco. Per il cibo, in linea di massima, sarebbe meglio mantenersi sui f2/2,8 come apertura massima, fino ad arrivare ad un f4/5,6.  Personalmente non ho mai superato un f 4, ma la scelta è soggettiva.

Quindi attenzione a spingersi troppo sull'apertura.

LINEA DI ORIZZONTE STORTA

Un errore abbastanza comune in fotografia. A volte si è talmente intenti a osservare il soggetto o impostare i valori che ci sfugge un particolare importante: la linea d'orizzonte storta.
Non succede solo per le fotografie di paesaggi, orizzonti marini e architetture; succede spessissimo anche nella foodphotography. E' un errore da evitare perché può davvero influenzare l'armonia dell'immagine. Oltre alla linea di orizzonte storta, un occhio dobbiamo darlo anche alle linee convergenti all'interno della foto, come le doghe di legno, venature particolari, righe e quadrettature nelle tovagliette. Tutto deve essere allineato o sistemato in modo che l'occhio possa ricevere una sensazione positiva e bilanciata.

TAGLIO SCORRETTO

Oltre alla giusta composizione e angolazione, uno dei particolari nella fotografia è il taglio. Intorno al soggetto deve circolare aria per l'occhio e certi tagli non ragionati, danno l'impressione di aver scattato di fretta.

Nelle foto sotto, abbiamo un taglio che rasenta il piatto, uno che rasenta il pomodoro di sinistra, uno che rasenta la parte bassa e l'ultima foto è decentrata come soggetto e completamente errata come taglio. Nell'ultima immagine, tagliando il soggetto principale a metà, si rischia di togliere armonia a causa dello sbilanciamento della composizione. L'ideale è tagliare il soggetto, mostrando 2/3 e nascondendo solo 1/3, come nella foto accanto.

FOTO  SOVRAESPOSTE

La moda del momento vuole foto chiarissime, con bianchi paradisiaci e sfondi luminosi. Bisogna fare una netta distinzione pero' tra una foto di food chiara/bianca e una foto sovraesposta. La sovraesposizione è evidentissima nelle foto controluce dove cioè la fonte luminosa è di fronte all'obiettivo. In questo caso l'esposimetro della fotocamera, che non è perfetto, sarà ingannato da  una zona chiarissima e una molto più scura. Se l'esposizione, l'uso dei pannelli o le impostazioni sono sbagliate, si otterrà una foto bruciata, ovvero all'interno dei pixel che il nostri occhi vedono bianchi, in realtà c'è assenza di informazione. 

Nella foto sotto, senza curarmi dei pannelli riflettenti, forzando la luminosità aprendo il diaframma, alzando gli ISO oppure sovraesponendo di quasi 1 STOP, ho ottenuto una foto con un sfondo bianchissimo ma tecnicamente bruciato. Possiamo notare che la luce ha mangiato i margini del tavolo nello sfondo, ritagliandolo quasi come fosse un fotomontaggio. 

L'ideale è scattare in raw con l'esposizione corretta per poi in fase di sviluppo, aumentare i mezzi toni o le luci, oppure come in questo caso, sollevare l'angolazione in modo da non avere la fonte di luce in linea con la lente.

FOTO SOTTOESPOSTE

Problema opposto ma diffusissimo è la sottoesposizione scambiata per foto dark-mood.

Di gran moda è la foto con un nero puro nello sfondo o comunque colori molto scuri e un soggetto che risalta in forma e colore e che emula nature morte poetiche e caravaggesche.

Anche in questo caso c'è una differenza abissale tra una foto caravaggesca dove il pomodoro spicca in tutto il suo rosso vivo e una dove la foto risulta piatta perché l'esposimetro era semplicemente sotto lo zero.

L'errore comune a molti corsisti è quello di scattare una foto alla luce, ben esposta e poi sviluppare il raw o peggio correggere il jpeg , sottoesponendo o abbassando le luci con i cursori. Altro metodo sbagliato è quello di scattare in penombra/buio. E' sicuramente possibile ma non per ottenere questo tipo di foto.

Il modo giusto è piegare la luce ai nostri desideri, facendola cadere nei punti strategici e giocare con i pannelli per bloccare la luce nelle zone che devono rimanere più scure. 

Mia mamma dice " pane e cipolla, ma con la luce". 

Ricordiamoci che non è un ritratto sexy vedo-non vedo o una foto artistica. E' una foto dove il cibo deve comunque rimanere protagonista e risaltare con i suoi propri colori.

Nella foto sotto di sinistra ho sottoesposto la foto per un effetto scuro: l'effetto scuro c'è ma purtroppo è anche sopra i pomodori che hanno perso vigore. Nella foto di  destra ho bloccato la luce nello sfondo e usato i pannelli riflettenti nel davanti aumentando la vividezza del soggetto.

BILANCIAMENTO SCORRETTO
Il bilanciamento del bianco è la prima cosa che si fa quando si scatta in modalità manuale ed è indispensabile per correggere le dominanti di colore e rendere l'immagine il più possibile fedele alla realtà. Una fotocamera , a differenza del nostro occhio che si adegua ai cambiamenti , interpreta la  luce in base alla sua temperatura. La temperatura del colore viene misurata in Kelvin e vanno impostati correttamente per bilanciare il bianco e di seguito gli altri colori.
In quasi tutte le macchine digitali esiste l'opzione per il bilanciamento che può  essere automatico o predefinito e che ci aiuta a stabilire un bilanciamento corretto.
Oltre alla luce calda o fredda, uno dei motivi di una foto non bilanciata è un elemento vicino con una forte intensità di colore (tende rosse, pareti gialle, cucina rossa, mobili blu etc), purtroppo sono tutti fattori che influenzano una foto. Se scattate in raw il problema non si pone perché l'immagine conserverà tutte le info che sono arrivate al sensore e potranno essere sistemate in fase di sviluppo. 
Se scattate in jpeg ci sono un paio di modi: il primo è quello di farsi aiutare dai predefiniti della macchina e scegliere attraverso lo schermo, quale è quello che più si avvicina alla temperatura di luce reale. Il secondo è servirsi di un cartoncino bianco o meglio ancora della grey card (un pannello grigio al 18%) e seguire le indicazioni  sul manuale della vostra fotocamera per effettuare un bilanciamento personalizzato.
Nella foto di sinistra, l'immagine è bluastra, la temperatura troppo fredda, al contrario della foto di destra dove la temperatura è così calda da rendere la foto aranciata. Entrambe sono sbagliate.

USO SCORRETTO DEI PANNELLI/DIFFUSORI

Tra l'attrezzatura del nostro lavoro, non dovrebbe mancare un pannello diffusore e dei pannelli riflettenti. Il pannello diffusore serve per diffondere la luce e va posto tra la fonte di luce e il soggetto in modo da evitare il rischio di bruciature, perdita di dettagli o di ombre nette. I pannelli riflettenti servono per dare o togliere luce al soggetto e vanno posizionati dalla parte opposta alla fonte di luce e/o ai lati/davanti al soggetto. 

Sono indispensabili anche per creare degli stili, gestire la luce e per evitare ombre nette o dure sempre sconsigliate nel cibo.

Nella foto di sinistra , il soggetto è controluce e non ho usato nessun tipo di pannello, mentre in quella di destra, ho sfruttato dei pannelli bianchi per convergere la luce verso il soggetto e illuminarlo.

Mi piacerebbe scendere nel dettaglio e spiegare in modo esaustivo l'uso del bilanciamento, dei pannelli e l'importanza dell'inquadratura, ma è difficile trovare così tanto tempo da dedicare a questi post. Se volete saperne di più o partecipare ai miei corsi, non esitate a contattarmi.
Nel frattempo, per chi fosse alle prime armi, consiglio vivamente di impararvi il manuale a memoria, osservare tantissimo le foto di cibo e scattare, scattare, scattare!